Art d'avant-garde et contemporain: la perception sociale de la valeur d'une œuvre d'art
"L'art est fatalement menacé par une société qui ne s'enthousiasme que dans la salle des ventes et dont la logique abstraite dépouille le monde de sa qualité sensible."
Terry Eagleton
Le avant-garde ou «Art d'avant-garde» , apparu au début du siècle dernier, s'est nourri du rejet et de la critique des traditions dans le but de transcender son temps historique dans une nouvelle création. Cet art, révolutionnaire et révolutionnaire , typique de la modernité et donc apparenté aux périodes convulsives où tout était possible, contraste avec la mode actuelle, ou «Art postmoderne» .
La transition de l'art d'avant-garde à l'art postmoderne semble préservée une attitude dissidente, mais toujours en phase avec son introduction dans le circuit de la consommation quotidienne. Convertie en une sous-culture tout entière, la critique n’est plus maintenant qu’un mode ou un mode de vie dans lequel l’attitude rebelle ne trouve aucune contradiction avec la fausse plénitude d’une vie joyeuse préservant l’ordre établi des choses.
Le fait que l’art postmoderne n’aspire pas à vaincre la société ne signifie pas qu'il suffit des conventions de l'ordre établi pour sa production, puisque cela fonctionne plutôt en créant une faute à la société qui prétend fournir à travers sa création. Il ne s’agit pas de nier la société en tant qu’ensemble holistique, mais d’y ouvrir des interstices, des besoins matériels ou spirituels qui doivent être comblés par le nouveau travail.
Mais en regardant en arrière pour établir une certaine comparaison avec le développement artistique actuel, on peut dire que, malgré sa vocation à utopie sociale , l'art d'avant-garde a eu tendance à devenir une création intime, par et pour l'auteur lui-même. Au contraire, l’art postmoderne, dépourvu de tout engagement social, dépourvu de toute volonté idéaliste transcendant l’ordre établi des choses, est une création en projection continue vers l’extérieur: Cela n'a de sens que d'être répandu et consommé .
Ceci s’explique par le fait que la création artistique, arrogée par le designers industriels et les agences de publicité, elle cesse d'être entre les mains de certains virtuoses pour qui la production en série de l'œuvre d'art aurait invalidé sa propre condition artistique: chaque œuvre, si elle est traitée comme de l'art, devrait être unique et unique. Faites attention à la considération pour laquelle l'art est associé au sublime, ce qui est exceptionnel .
L'art populaire qui devient mode, avec pop art en tant qu’exposant, il nous a laissé des boîtes de soupe (Campbell's ) même dans la soupe. La sérigraphie est en effet une technique dont la principale caractéristique est faisabilité en reproduction . De la même manière, la mode, au sens large, fait allusion à ces tendances répétitives, qu’il s’agisse de la tenue vestimentaire, de la consommation ou, finalement, du comportement.
Ainsi, bien que l'avant-garde fît partie de la "haute culture", motif de distinction, la mode en tant qu'épiphénomène de "culture de masse" est homogène par nature , perdant l’abstraction que l’art pouvait exiger à l’avant-garde et devenait un produit des plus mondains et laïques: l’art passé des temples, faisant allusion aux musées ou aux théâtres dans lesquels des actes de culte étaient commis, à l’écran de la télévision, dans laquelle chaque annonce publicitaire est elle-même une création.
Il est vrai que la mode en tant que telle ne constitue pas un nouveau type d’art. , contrairement aux avant-gardes qui étaient des mouvements artistiques d’une période donnée. En fait, la mode est une allusion à des coutumes, qui ne se limitent pas au domaine artistique, qui marquent une époque ou un lieu spécifique. Nous pouvons donc dire que la mode était quelque chose qui n’est pas déjà contemporain de l’avant-garde, mais beaucoup avant eux. .
Il arrive cependant que maintenant tout art est la mode . Dans le domaine artistique, l’influence de la postmodernité signifie que les tendances ne sont pas identiques aux évolutions des avant-gardes précédentes dans lesquelles il y avait un développement progressif en phase avec un siècle socialement et technologiquement révolutionnaire, puisque de nos jours la mode sont, dans de nombreux cas, régressives.
En parcourant le passé pour retrouver ses attributs, et en sondant l'avenir pour anticiper ses épithètes, la mode établit un présent inconstant et irrésolu connu avec une date d'expiration: contrairement à l’art d’avant-garde, revendiqué comme le fer de lance d’un processus sociopolitique qui a guidé , l’art actuel est conçu pour disparaître, car ce n’est qu’en créant des tendances transitoires et périssables qu’il remplit l’objectif de créer des pics de consommation à chaque nouvelle apparence.
En d’autres termes, le cycle court de la mode nécessite des ventes instantanées et en masse d’articles pour une utilisation brève et intensive de manière à ce que la nouveauté se produise à kitsch sachant que tôt ou tard il deviendra kitsch. Et ayant le retour économique par substance, les tendances artistiques actuelles sont partielles et non œcuméniques. , parce qu’ils ont l’intention de trouver des marchés de niche à occuper, puis à se réinventer.
À la lumière de cela, il est évident que tandis que l'art d'avant-garde est celui des minorités qui aspirent à atteindre les majorités, l'art de la mode est celui des majorités qui aspirent à devenir des minorités . Et faute de motivation, la mode cherche des influences ici ou là. De plus, comment l’art postmoderne peut-il accompagner la société s’il est fondamentalement sceptique quant à l’existence d’une réalité objective et, partant, à la possibilité de la transformer.
Et puisque la postmodernité ne fournit pas, mais nie, les jugements sur les éléments qualitatifs, nécessaires pour définir la réalité sociale mais aussi la réalité du travail artistique selon des critères de bien ou mal, jolie ou laide, tout ce qui reste comme principe directeur est la quantité . Le principe selon lequel plus les gens viennent à l’art (plus il est vendu), mieux il le sera, fait de cet art un art éminemment trivial . Telle est la condition de la masse ou de l'art populaire.L’œuvre qu’on avait l'habitude de revendiquer, parfois en tant qu'anti-art, prend aujourd'hui la forme de tout jalon conçu pour (et assimilé par) le marché de l'art. .
En tout cas,le processus psychologique par lequel le jalon doit être conçu comme une œuvre d'art est que la pièce manque de valeur en elle-même et est toujours soumise à un facteur externe à sa réalité. comme par exemple la citation de l’auteur basée sur des conventions très discutables. Ainsi, tout comme la publicité ne vend pas le pain de savon, mais l’idée de beauté, l’art contemporain a tendance à s’offrir comme interface d’un objet, voire d’une expérience, essentiellement symbolique .
Mais un art qui, bien que considéré comme subjectif et ouvert à toutes les interprétations, nécessite une reconnaissance externe est en soi contradictoire. . L'œuvre d'art actuelle peut également être considérée comme une multitude d'images, de sons et de mots présents dans tous les domaines de notre vie quotidienne. Dans ce cas, le travail serait tout et, à son tour, ce ne serait rien (la performance est ce travail qui, résistant à l'entrée dans le circuit commercial à travers lequel la valeur d'échange circule, est éphémère en raison de ses propres idiosyncrasies).
Il semble que l'avant-garde ait été étranglée par les anneaux en plastique des canettes de canettes de soda et que son cadavre ait été enterré sous des litres et des litres de peinture plastique qui, en superposant une couleur sur une autre, ont fini par former un tumulus qui a généré le nouveau art, né directement du sol et non des fleurs qui en proviennent. Peut-être que le but ultime de l'art n'est rien de plus que son manque de but ainsi, en tant que critique silencieuse de la rationalité instrumentale et des valeurs du marché, elle acquiert sa raison d'être. en gagé l'autonomie de la valeur, l'inverse de l'utilité capitaliste.
